Chapitre 2 : Exposition

Transition du 19e au 20e siècle

Comment à travers les pratiques de trois sculpteurs, on observe la valorisation de l’espace, du lieu et du contexte ?

L’histoire de la sculpture moderne peut être vue comme une tentative de désoclage.

Chez Rodin :

Valorisation de l’espace, du lieu et des conditions d’exposition, il travaille à partir de photographies. Faire interagir la sculpture avec l’environnement. Il est d’usage que la sculpture ne dépasse pas le socle, périmètre traditionnel qui lui assigne une autonomie esthétique. À partir du moment où Rodin fait sortir le pied de son Balzac, l’entité interagit avec l’environnement, le contexte d’exposition et perd dans le même mouvement son autonomie esthétique.

Lors de l’exposition de l’Alma, il expose ses oeuvres ainsi que 70 photos, où il occulte ses sculptures au profit de détails (mains, pieds, etc.). Le dispositif permet au spectateur de lire clairement les enjeux de son oeuvre.

Chez Constantin Brancusi :

« L’oiseau dans l’espace » : Il suffit de projeter de la lumière sur cette œuvre que pour « dissoudre » son autonomie, le contour se perd, une partie est projetée sur le mur, en dehors du socle, bref tout d’un coup l’œuvre est indissociable de son environnement.

« La colonne sans fin » : multiplication de modules géométriques qui donnent l’illusion de se prolonger à l’infini et donc forcément de sortir du cadre. C’est ce que manifeste la photographie.

Son atelier : chaque objet est en relation avec son environnement et le reste des objets. On peut presque parler d’une communauté d’objets.

Chez lui, le socle fait partie inhérente du travail pictural. Par exemple l’oiseau dans l’espace, il y a deux socles différents, un rectangulaire, l’autre circulaire. Pour lui le socle est un médiateur entre l’objet et l’espace tandis que traditionnellement le socle neutralise la relation, entre l’objet et le lieu.

Chez Giacometti :

Retour à la figuration, à sa sortie du mouvement surréaliste, ou plutôt à son exclusion puisqu’il retourne au processus d’observation selon modèle que Breton considère comme un anachronisme. Breton aurait « rompu » avec lui lors d’un repas comme le veut la légende.  

Ici, « le palais à 4h du matin » renvoie à une relation amoureuse vécue par Giacometti vécue quelques mois avant sa réalisation. L’épine dorsale et l’oiseau symbolisent le début et la fin de la relation. Le zguègue phallique en bas à gauche symbolise lui-même. La figure de femme, c’est sa mère. Il y a une relation à 3. Le sexuel, le symbolique et la morale (l’autorité maternelle qui influence sa relation avec cette femme). Le contexte n’est plus uniquement spatiale mais discursif, un contexte. Il veut dire quelque chose.

« Femme égorgée », la structure est rabatte au niveau du sol (pas de socle) et est « déverticalisée », très original puisque les sculptures ont généralement tendance à s’élever vers le haut.  Ce mouvement est déterminé par le contexte idéologique qui colle avec l’idéologie surréaliste de bassesse à la mode à l’époque. Proximité de la pensée de Georges Bataille (surréaliste): vise à dérationaliser la pensée occidentale, notamment le concept de bassesse qui remet en question la dominance de la « ratio », de l’intellect, de la tête, perchée haut sur les épaules. Motif à partir duquel s’organise la pensée occidentale. Georges Bataille va essayer d’abaisser la position de l’homme qui pense, le coucher pour le rapprocher de son  animalité. Cela implique également un rapprochement de toutes les pulsions.

Donc les modalités d’exposition et de réception sont inversées, avec Giacometti, le socle est abandonné. À la base femme égorgée est destinée à être exposée à même le sol, fin des années 20.

Giacometti est le produit d’un enseignement traditionnel. Et puis il migre à Paris à 21 ans et s’inscrit aux cours de Bourdelle, qui l’entraîne à penser l’objet sculptural comme un objet dynamique et relationnel.